Recursos educativos

Por Enrique M. 

EL DEBER DE UN ARTISTA ES LUCHAR CONTRA LA CENSURA.

LA CENSURA HA PASADO DE SER EXTERNA A SER INTERNA.

 

“Un artista al que la libertad no es necesaria

viene a ser como un pez

al que el agua no es imprescindible”.

-JUAN MAYORGA

 

descargaCartas de amor a Stalin es una obra teatral publicada en 1997 por el autor madrileño Juan Mayorga. En julio de ese mismo año, fue asesinado por ETA Miguel Ángel Blanco. 

La obra gira en torno al anhelo que siente el protagonista, Mijaíl Bulgakôv, de recuperar la libertad arrebatada por el régimen estalinista tras la censura de todas sus obras (este personaje está basado en un escritor ruso cuya novela más conocida es El maestro y Margarita. ).

 

Argumento.

Bulgâkov decide escribir a Stalin solicitándole que se levante la censura o de modo contrario le permita salir de la Unión Soviética junto a su mujer Yelena. En eso se encuentra cuando recibe una llamada telefónica de Stalin que, sin embargo, justo en el momento en que todo está por resolverse, la comunicación se corta. A partir de este momento, Bulgakôv comienza a escribir más y más cartas a Stalin que le llevan al borde del delirio. Este delirio se muestra con la introducción de un tercer personaje en la escena, Stalin, que actúa como si fuera una alucinación de Bulgakôv.

Representaciones

Hay varias representaciones teatrales de la obra que se pueden visualizar en YouTube. Por ejemplo, la obra representada en el teatro Casa de la Paz perteneciente a la Universidad Autónoma Metropolitana de la Ciudad de México; también una versión española dirigida por Guillermo de las Heras, quien dio vida por primera vez a la obra. Ambas son fieles al libreto original escrito por Juan Mayorga con una puesta en escena que respeta lo indicado por el autor en sus acotaciones.

Temas

El tema principal de la obra es “el artista frente al poder”, a partir del cual se muestra el anhelo del protagonista, Mijaíl Bulgakôv, de conseguir la libertad arrebata por el régimen estalinista tras la censura de sus obras”. Juan Mayorga quiere ir más allá de la censura a un escritor universalizándola y revelando el silencio que acalla la libertad del hombre. A partir de este tema el autor deja entre líneas el ejemplo de la psicosis a la que el mercado somete al artista y en la que se muestra el problema de la supervivencia del arte ante la opresión. Los directores teatrales de ambas obras, han sabido plasmar muy bien ese “ir más allá” de Mayorga.

Hoy en día vivimos en un país democrático a diferencia de la Rusia dictatorial que muestra el libro. Sin embargo, sigue existiendo la censura, pero no una censura impuesta del exterior, sino una censura impuesta por uno mismo cuyo principal alimento es el miedo. ¿Cuántas veces se censura la denuncia de una injusticia? ¿Cuantas veces se calla ante un comentario racista? ¿Cuántas veces se censuran los ojos ante las guerras en el mundo? La censura ha pasado de ser externa a ser interna. Por otro lado, el arte sigue siendo en muchas ocasiones despreciado ya sea por impuestos elevados, por sistemas educativos que no lo potencian o simplemente por una escasez de cultura que no permite apreciarlo. A continuación, se deja un breve vídeo seguido de una entrevista a Juan Mayorga en la que explica su concepción de teatro: El País. Juan Mayorga: “Hay un tipo de teatro que está siendo censurado por la crisis”

Cartas de amor a Stalin es una obra peculiar, en primer lugar, por su título y, en segundo lugar, por su contenido. Llama la atención leer una obra española que denuncia la censura (siendo escrita en los años 90) y que se desarrolla en la Rusia estalinista. Es una obra breve pero interesante de leer. Muestra la situación de Rusia en la época estalinista, también la locura a la que es capaz de llegar un artista cuando no le dejan expresarse poniendo como ejemplo un caso real, el de Mijaíl Bulgakôv.

 

Bibliografía

 UNED. Cartas de amor a Stalin [en línea] [fecha de consulta: 10 marzo 2018]. Disponible en: http://www2.uned.es/centro-investigacion-SELITEN@T/pdf/emayorga.pdf
 Letras Libres. El Maestro y Margarita [en línea] [fecha de consulta: 22 marzo 2018].
Disponible en: http://cdn.letraslibres.com/sites/default/files/files6/files/pdfs_articulos/pdf_art_6260_5872.pdf
 
UAMVIDEOS. Cartas de amor a Stalin (Obra completa) [en línea] [fecha de consulta: 16 marzo 2018]. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=IG6Yg9eYshE
 
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte – Canal Cultura. Cartas de amor a Stalin [en línea] [fecha de consulta: 17 marzo 1018]. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=JJhXrGY5ypg
 
Yaconic. Cartas de amor a Stalin o simpatía por Bulgakôv [en línea] [fecha de consulta: 18 marzo 2018]. Disponible en: http://www.yaconic.com/cartas-de-amor-a-stalin-o-simpatia-por-bulgakov/
 
Wikipedia. Mijaíl Bulgâkov [en línea] [fecha de consulta: 20 marzo 2018] Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Mija%C3%ADl_Bulg%C3%A1kov
 
Teatro en Miami. Entrevista a Juan Mayorga. ¿Cartas de amor a Stalin? [en línea] [fecha de consulta: 20 marzo 2018]. Disponible en: http://www.teatroenmiami.net/index.php/articulos-max-barbosa/6537-entrevista-a-juan-mayorga-cartas-de-amor-a-stalin
 
EcuRed. Metateatro [en línea] [fecha de consulta: 21 marzo 2018]. Disponible en: https://www.ecured.cu/Metateatro
 
El País. Juan Mayorga: “Hay un tipo de teatro que está siendo censurado por la crisis” [en línea] [ fecha de consulta: 22 marzo 2018]. Disponible en: https://elpais.com/elpais/2013/12/31/masterdeperiodismo/1386532607_531828.html
 
Pixabay.  Stalin [en línea] [fecha de consulta: 22 marzo 2018]. Disponible en: https://pixabay.com/es/photos/?q=stalin&hp=&image_type=all&order=&cat=&min_width=&min_height=
Pixabay.  Cartas [en línea] [fecha de consulta: 22 marzo 2018]. Disponible en: https://pixabay.com/es/photos/?q=cartas&hp=&image_type=all&order=&cat=&min_width=&min_height=

Por Sofía M.

El anhelo de ascender social y económicamente

Historia de una escalera es la primera obra teatral del dramaturgo Antonio Buero Vallejo por la que recibió el Premio Lope de Vega. Se estrenó en el Teatro Español de Madrid en 1949. La obra muestra una España sumida en una profunda crisis económica y social debido a la Guerra Civil y el principio del franquismo.

steps-2169848_960_720El tema principal de la obra es también de actualidad, por ello el interés hacia la misma. Podemos extraer enseñanzas ya desde 1949 de una España en crisis.

La obra teatral de Buero fue llevada al teatro y posteriormente al cine. Ambas representaciones se ajustan muy bien al escrito original debido a que muestran el Estado social español inmutable, a pesar del paso del tiempo. Este Estado se ve  representado por la escalera de la comunidad. Los inquilinos de la vecindad cambian, pero  la situación de la escalera denuncia la misma penuria económica. Así, se analiza una sociedad española parecida a la actual, caracterizada por la falta de salidas de un mundo miserable y egoísta, que desemboca en la opresión de las necesidades del hombre moderno. Los personajes en la obra anhelan ascender social y económicamente, que es en cierto modo lo que hoy en día sucede.

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Lo más llamativo quizá sea que Buero, desde la España de 1949, reflejó un problema social que en el año 2018 sigue existiendo. Los jóvenes tienen ambiciones y sueños que en un futuro realizarían si no fuera porque no hay trabajo. España, aunque avanzada social, tecnológica y económicamente, sigue sumida en una crisis de valores personal profesional.

Este fragmento demuestra ese anhelo de ascender social y económicamente. En él veremos a Fernando y Carmina hablando de su futura vida en el primer acto de la obra. No obstante, esos sueños se verán frustrados en el segundo acto cuando Fernando se encuentre casado con Elvira, a quien nombran en este vídeo. La razón de esta unión no será otra que la opresión social y las pocas salidas.

Pueblo e infancia

Por Candela M.

El siguiente articulo trata una de las obras mas conocidas del autor español Miguel Delibes, publicada en 1950 y ambientada en la España rural de la posguerra.

Miguel Delibes es uno de los autores mas relevantes de la literatura española contemporánea. Algunas de sus obras han sido adaptadas al cine o teatro. El camino fue la primera obra que se llevo al cine en 1964. Además, se rodó una serie de televisión compuesta por cinco episodios emitida en TVE en 1978.

La novela está ambientada en un valle en el que se halla una pequeña aldea, en donde vive Daniel “El Mochuelo”, un niño de 11 años que dejará el pueblo para estudiar en la ciudad. Su padre quiere que su hijo progrese en la vida, pero a pesar de la buena intención familiar, Daniel recuerda entristecido todos los momentos pasados en el valle junto a sus vecinos y amigos. Es todo un adiós a su infancia.

LaAdrada02La película fue rodada en 1963, dirigida por Ana Mariscal. Esta nos presenta la obra llena de humor, pero también de pena y dolor con la vida misma. Uno de los temas principales tanto en la obra como en la película es la vida del pueblo que se refleja en los motes y apodos por los que se conocen a los personajes (Daniel, el Mochuelo, Germán, el Tiñoso y Roque, el Moñigo). La película se rodó en Candeleda, una localidad del valle del Tiétar, en Castilla y León. Se dice que la obra se trasladó a otro pueblo, concretamente a Molledo en el valle de Iguña (Cantabria), donde Delibes pasaba algunos veranos.

La película se adapta bastante bien a la novela, no se incluyen modificaciones de las historias narradas y se recogen los sucesos más representativos. Ana Mariscal mantuvo la naturalidad de la obra al no limitarse a ofrecer una visión pesimista y empobrecida de la sociedad española.

Las diferencias entre la película y novela están centradas en aspectos sociales. Por ejemplo, la aldea tiene dos extremos sociales: los pobres y el rico. Este último, representado por el Indiano, que decidió hacer las Américas en busca de fortuna para regresar unos años después y establecerse en una buena casa. Es un personaje que no sale en la película salvo por las menciones que se hacen de él y por la interacción de su hija Mica, la guapa del pueblo. Por otro lado, Mariscal concede mayor importancia a los roles femeninos, enfoque que no aparece en la obra de Delibes. En la película se muestran dos tipos de mujer, la mujer supeditada a la voluntad de los hombres. En este caso encontramos a la madre de Daniel, el Mochuelo, que no quiere que su hijo se marche a la ciudad, pero no tiene poder de decisión; y la mujer más moderna, donde encontramos a Mica, una mujer joven, con estudios e hija de un indiano.

Uno de los temas que se desarrolla a lo largo de la obra y sale muy bien reflejado en esta es la vida de los pueblos, el mundo rural. Hoy en día, siguen existiendo estos pueblos donde la gente que los habita, la mayoría gente mayor, mantienen sus apodos y todos conocen el de todos, como sucede en la obra. Hay rumores, anécdotas, sucesos, escándalos… como en todos los pueblos. Al igual que la tradición que tienen cuando fallece algún habitante y hacen sonar las campanas de la iglesia que avisan y enseguida se corre la voz. Evidentemente, la época en la que se escribió la obra se encuentra muy lejana a la actualidad, pero lo que quiero recalcar es que el alma del pueblo, el amor por el pueblo, nunca se pierde. La vida rural va pasando de generación en generación y nunca se debería de olvidar. La importancia de esto es el conocimiento de la cultura, de costumbres… En definitiva, de cosas diferentes que no se ven en la ciudad.

Finalmente, me ha sorprendido la naturaleza con la que Miguel Delibes trata el tema del mundo rural, algo desconocido para la gente de ciudad. Además, a lo largo de la obra se refleja la tristeza de Daniel por tener que abandonar su aldea. Me ha gustado que Delibes no solo hace que el protagonista recuerde lo bueno sino también lo malo. Al final del libro, llegas a la conclusión de que los proyectos de los niños no suelen coincidir con los de los padres, ni antes ni ahora.

 

 

BIBLIOGRAFÍA.  
Delibes, Miguel. El camino. Ediciones Destino. Destinolibro100. 1950.
ISBN-9788423342303
https://youtu.be/I0051tim4_s
https://es.wikipedia.org/wiki/El_camino_(novela)

 

 

 

La condición femenina ayer y hoy.

Por Enrique Muñoz
La obra Madrugada, muestra una vigorosa defensa de la condición femenina muy avanzada para la época y absolutamente válida hoy en día.

descarga (1)Madrugada es una obra teatral de Antonio Buero Vallejo. Publicada y estrenada en 1953, año en el que España ingresó en la UNESCO. La he elegido, en primer lugar, porque me interesaba una obra escrita entre 1940 y 1974; en segundo, porque dispone de una versión cinematográfica (Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes).

Madrugada es una obra inscrita en un género considerado menor durante años, el género negro, tan alejado de las dos líneas maestras del teatro de Buero que son el marcadamente político o el realismo social. La obra gira en torno a la renuncia de una herencia millonaria que está dispuesta a hacer Amalia (la protagonista) a cambio de rescatar la limpieza de su historia de amor con el hombre que acaba de morir al comienzo de la obra.

5739732708_54440ba102_b.jpgHay diferentes versiones cinematográficas de Madrugada, en internet se pueden encontrar fácilmente “Madrugada” de RTVE y “Madrugada” de Antonio Román. La versión realizada por RTVE y colgada en la página de la misma, tiene algunos problemas de visualización, tales que cada pocos minutos se corta la reproducción y se adelanta dos minutos. Esta versión es fiel al guion original de Buero Vallejo; si comparamos el libreto de la obra con los guiones de la película, son totalmente idénticos.

En cuanto a la versión de Antonio Román, la obra sí varía. En primer lugar, en el libreto de la obra de teatro, aparece entre acotaciones la muerte del marido de Amalia, como un hecho que no merece la pena desarrollar a pesar de ser trascendental, sin embargo, en la película sí que se observa el momento de la muerte. Por otro lado, en la obra original, Amalia cuenta en tercera persona lo que su marido le dijo antes de morir, mientras que, en la película, se visualiza cómo el marido se lo dice en primera persona en su lecho de muerte. Por lo demás, la similitud del guion de la película con la obra original es muy parecida. Para aquel que se haya leído el libro, y haya visto un poco de las dos películas, observará que el decorado de la película de RTVE es más fiel a la obra de Buero que el de la película de Antonio Román. Personalmente, me sorprendió la imagen de la enfermera en las dos películas, mientras leía la obra me hice la imagen mental de una enfermera joven de unos 20 o 30 años, sin embargo, en las dos películas, la enfermera es una actriz que supera los 50 años.

El tema principal de la obra es la búsqueda de la verdad, encuadrado dentro del conflicto interno que tiene la protagonista. Se desarrolla de igual manera tanto en la obra como en la película.

Madrugada es una obra muy avanzada para la época en la que se escribe, teniendo en cuenta, que se estrena en plena dictadura franquista. Es curioso ver cómo el tema principal, la búsqueda de la verdad, lo sustenta una mujer. Es la mujer la que, en medio de una sociedad machista y patriarcal, tiene la fuerza, el talante y el valor de luchar por lo que anhela hasta el final. Hoy en día estamos asistiendo a la revolución de las mujeres en la que por fin están siendo escuchadas gracias a que con su valor y valentía están reivindicando lo que ya debería ser suyo. Están ayudando a construir ese nuevo amanecer al que hacía referencia Oprah Winfrey el pasado 8 de enero en la gala de los Globos de Oro. Un amanecer en el que ninguna mujer tenga que sentir miedo por andar sola por la calle, puedan expresar libremente sus opiniones y dejen de considerarse el sexo débil.

coins-3134147_960_720Otro de los temas que se tratan en la obra es el dinero: el resto de la familia es capaz de dejar morir al “difunto ya muerto” para evitar que teste y quedarse así con la herencia. Se muestra un claro desprecio a la vida, ensalzando el dinero y los bienes materiales y por muy duro que pueda parecer, esto no es nada nuevo. El dinero mueve las guerras, el odio, crea diferencias sociales, establece prejuicios, divide familias, alimenta envidias e incluso, arruina. No quiero decir que el dinero no sea necesario, pero debemos aprender a usarlo con responsabilidad.

La realización de este trabajo sirve para conocer más acerca del autor de la obra escogida, en este caso de Antonio Buero Vallejo. También ayuda a conocer las motivaciones del autor a la hora de escribir la obra y las diferencias existentes entre el pensamiento de la época en la que se escribió y el pensamiento de hoy. El aspecto más sorprendente de la obra es que esté protagonizada por una mujer, y que más allá de este hecho, defienda su honor y su dignidad sin miedo delante del resto de los familiares comidos por la codicia y el dinero.

Valoración crítica de Madrugada de Buero Vallejo

 

Bibliografía

Centro Cultural de la Villa. Buero en la memoria: texto íntegro de “Madrugada”.1ªed. Madrid: Centro cultural de la Villa, 2001. ISBN 84-88406-36-3.
ALONSO, Santos; LÓPEZ, Antonio; LUMBRERAS, Pedro; PÉREZ, Azucena. Lengua Castellana y Literatura.1ª ed. España: Casals, 2016. ISBN 978-84-218-5114-2.
EcuRed [en línea] [fecha de consulta: 4 enero 2018]. Disponible en: https://www.ecured.cu/Antonio_Buero_Vallejo
Tommaso Koch. Oprah Winfrey: “El momento ha llegado” [en línea] [fecha de consulta: 8 enero 2018]. Disponible en: https://elpais.com/cultura/2018/01/08/actualidad/1515383734_920286.html
RTVE. Estudio 1- Madrugada [en línea] [fecha de consulta: 29 diciembre 2017]. Disponible en: http://www.rtve.es/alacarta/videos/estudio-1/estudio-1-madrugada/3575239/
Isa Rouhoff. Madrugada (1957), de Buero Vallejo [en línea] [fecha de consulta: 29 diciembre 2017]. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=vpzNEUFkg5E
Jerry Kiesewetter.Fotos de mujeres [en línea] [fecha de consulta: 9 enero 2018]. Disponible en: https://stocksnap.io/photo/PJW9WOUH16  (Licencia Creative Common de dominio público.)

 

La colmena

Por Beatriz L.

La colmena, un clásico español que casi todo el mundo teme leer. ¿Se perderá la oportunidad de conocer el pasado madrileño de posguerra? A unas malas, siempre quedará la opción de ver la película.

La colmena abre una ventana a un pasado triste. Su realismo de posguerra tiende a aburrir al lector joven actual, sin embargo, se hace necesario conocerla porque narra, sin adornos ni presunciones, cómo vivía la sociedad española marcada por la pobreza, el pesimismo y el conformismo tras la guerra civil. Esta obra refleja parte de la historia de nuestro país. Solo por eso, merece la pena leerla.

Camilo_Jose_Cela-2.jpgA lo largo de apenas tres días, en el Madrid de 1942, Camilo José Cela relata la vida de más de doscientos personajes distintos, cada uno con su propia historia y sus circunstancias personales, pero conectados entre sí para formar una “gran colmena” en la que, aunque muchas veces abunde el egoísmo, se necesita también de cierto compañerismo para que todo funcione y siga su curso.

Mario Camus se encargó, en 1982, de intentar plasmar la esencia de este clásico, una tarea bastante complicada, en un filme con un reparto lleno de algunas de las caras más importantes de la historia de nuestro cine: José Sacristán, Concha Velasco, Imanol Arias y Ana Belén son solo algunos de ellos.

Con esta película, Camus consigue, por un lado, ser bastante fiel a los diálogos de la obra, reproduciéndolos casi de manera literal y respetando las oraciones más emblemáticas. Por otro, mantener lo esencial de cada personaje. El espectador que haya leído antes la obra podrá identificar fácilmente a cada uno de ellos en la gran pantalla. Además, todos los decorados (el Café, las calles, los interiores de las casas…) se adaptan a la perfección a los distintos estratos sociales. Así, se consigue que el entorno de estos caracteres diga aun más de todos ellos. Por último, se mantiene fiel a la estructura del clásico, la cual es algo inusual. De esta manera, no encontramos el típico planteamiento, nudo y desenlace. Nos ofrece una visión clara de la vida de las personas, ni más ni menos, tal y como hace Camilo José Cela.

Sin embargo, y como suele pasar en estos casos, se aprecian algunas diferencias que hacen que el libro sea una mejor opción. Como es lógico, la película no muestra a todos los personajes de la historia. Si fuese así, podría alagarse unas cuantas horas más. Por esto, Camus se centra en los más importantes: Martín Marco (José Sacristán), Doña Rosa (María Luisa Ponte) o Victorita (Ana Belén). No obstante, llama la atención el excesivo protagonismo otorgado a Leonardo Meléndez (José Luis López Vázquez) o Tesifonte Ovejero (José Sazatornil), quienes apenas ocupan un par de líneas en la novela. Cabe destacar que ciertos problemas descritos para algunos de los personajes son totalmente inventados, e incluso el final es algo distinto. Aun así, estos cambios no desentonan y se mimetizan a la perfección con la dinámica de la película.

Estas diferencias hacen que la obra escrita mantenga una esencia que, aun siendo muy parecida a la conseguida por el director, sea más potente y compleja, lo cual es de esperar. Una película llega de manera distinta que un libro, y por tanto los cambios son necesarios, eso sí, en este caso todos ellos están ejecutados de manera muy inteligente. Tanto que hasta el propio Camilo José Cela queda conforme con el resultado. Así lo demuestra su aparición en una de las escenas, interpretando a un personaje llamado Matías Martí.

Son muchos los que catalogan  La colmena de “novela social” y, ciertamente, es un concepto que la describe bastante bien. Esta narración transmite la forma de vida de principios de los cuarenta en una ciudad española, abordando aspectos como: la devoción cristiana, el machismo, la tradición o el atraso cultural, por citar algunos. España ha cambiado mucho desde entonces y esto dificulta que los jóvenes actuales sepan valorar parte de la vida que La colmena refleja.

Cela no denuncia problemas tan graves como la degradación que sufría la mujer, o la intolerancia hacia la homosexualidad. El autor describe los mismos bajo la perspectiva cultural de aquel momento. Sin embargo, sí denuncia la falta de cultura o de conocimiento, de aspiraciones y objetivos por parte de todos los personajes. Éstos se conforman con sus penosas vidas, sin aspirar nada más que a sobrevivir.

Es curioso que, si uno no lee esta obra puede que nunca llegue a disfrutar de la película como se merece. Acometer ambas acciones, ayuda a comprender la esencia de esta novela. Tanto al leer La colmena como al ver la película, nunca se tiene la sensación de que se muestra algo inventado o ajeno, al contrario. Parece más bien que viajamos a través de una máquina del tiempo hasta transportarnos a otra época, con su problemática peculiar y su estilo  vida. Los españoles no deberíamos olvidar que todo ello forma parte de la historia de nuestro país, y hasta de nuestra ciudad (Madrid). Trescientas páginas con casi trescientos personajes distintos terminan haciéndose amenos bajo esta perspectiva.

BIBLIOGRAFÍA:

José Cela, Camilo. La Colmena. 4ª ed. Barcelona: Seix Barral, 1985.

ISBN 84-322-2249-6

Reseña de La Colmena (Mario Camus 1982), por Miguel Hernández Hidalgo, Madri+d Blogs, Sombras de Luna, Fundación para el conocimiento madri+d  [en línea] [fecha de consulta: 5 enero 2018]

Disponible en: http://www.madrimasd.org/blogs/imagen_cine_comunicacion_audiovisual/2013/05/17/126283

 

No ganar para no perder

Por Lucía A.

Pedro, niño huérfano, llega a casa de don Mateo, quien pasa a ser su tutor. Allí absorbe la filosofía que regirá toda su vida: “no ganar para no sufrir perdiendo”.

cartel peliculaLa sombra del ciprés es alargada, es la primera novela de Miguel Delibes, autor perteneciente a la primera generación de postguerra. Delibes trata de buscar su estilo y, sin duda alguna, no tiene nada que envidiar a escritores más veteranos. Fue llevada a la pantalla en 1990 por Luis Alcoriza. La novela fue publicada en 1948 tras ser galardonada con el Premio Nadal en 1947. Desde entonces, forma parte de las 100 mejores novelas en español del siglo XX. La obra atrae por la radicalidad de su trama: “para ser feliz, o al menos para no ser desgraciado, hay que evitar toda relación con el mundo, toda emoción o todo afecto”

En La sombra del ciprés es alargada se narra la vida de Pedro, el personaje principal, bajo una percepción pesimista y escéptica de la vida, doctrina heredada de su tutor el señor Lesmes. Tanto en la novela como en la película, se verán cuestionados el sentido de la vida, la presencia de la muerte y la importancia del amor y la amistad. No obstante, la película no es del todo fiel a la novela. Sin dejar de ser buena, la película se distancia, por una parte, al plasmar el mundo interno del protagonista; por otra, en la caracterización de la familia de don Mateo, ya que no es tan fría como en la narración, hecho que explica la posterior forma de ser de Pedro. Es cierto que el tema principal, la muerte y no aferrarse a nada ni a nadie, se mantiene en ambos formatos. Sin embargo, como es costumbre, en el libro se percibe con mayor intensidad lo que el protagonista vive, llegando a palpar su propia sensación de angustia.

delibes elDesgraciadamente, nunca tendré el placer de sentarme con Delibes para hablar de su novela ni de las verdaderas intenciones que tenía con ella, pero si pudiera preguntarle algo tendría que ver con el tema que desarrolla: su forma de tratar el sentido de la vida. Delibes va más allá de filosofar sobre la vida, muestra al lector la necesidad de disfrutarla, además de la importancia de amar sin complicaciones. La mayoría de las personas tienen miedo a la muerte, eso evita el disfrute pleno de la vida. Este testimonio de Delibes me impresionó: “Me horrorizaba la idea del cuerpo a cuerpo; la guerra en el mar era más despersonalizada; el blanco era un barco, un avión, nunca un hombre. Yo lo veía como un mal menor”. Creo que él, tras vivir la Guerra Civil y observar la tristeza de la lucha y las vidas que se lleva, se empapó del fuerte deseo de querer vivir. 

La novela supera con creces a la película, siendo mucho más personal. Es cierto que la narración entraña la dificultad de plasmar los complejos sentimientos internos de una persona, tarea muy difícil en el cine. Aún así, la propuesta para el director de cine sería conseguir un sentimiento menos alegre y más preocupado, ya que al final, en eso se basa el carácter del protagonista Pedro, sobre el que gira toda la trama.

Delibes denunció la poca humanidad que la violencia conlleva y la forma en que muchas veces desperdiciamos la única vida que poseemos. Esta enseñanza es aplicable a las vidas pasadas, a nuestras vidas y a las vidas futuras: las vivencias de Pedro entretejen con el lector una reflexión atemporal y acertada. Sorprende que una persona pueda haber experimentado todo lo que vivió Pedro, pero la realidad ha demostrado que, tristemente, es posible.

Bibliografía:
DELIBES,M.  La sombra del ciprés es alargada. Barcelona: Austral, 2010.         ISBN: 978-84-233-4236-5
CONCEPCIÓN, J.G. Miguel Delibes, hombre de tierra adentro, fue marino durante la guerra civil, con 18 años [en línea] [fecha de consulta: 6 enero 2018]. Disponible en: http://www.rtve.es/noticias/20130117/miguel-delibes-hombre-tierra-adentro-fue-marino-durante-guerra-civil-18-anos/603061.shtml
ELENA, S.S Y JAVIER O. Historia de nuestro cine- La sombra del ciprés es alargada. [en línea] [fecha de consulta: 6 enero 2018]. Disponible en: http://www.rtve.es/alacarta/videos/historia-de-nuestro-cine/historia-nuestro-cine-sombra-del-cipres-alargada-presentacion/3979538/
LUIS, A. Cine en TVE- La sombra del ciprés es alargada. [en línea] [fecha de consulta: 5 enero 2018]. Disponible en: http://www.rtve.es/alacarta/videos/cine-en-tve/sombra-del-cipres-alargada/2738374/
Biblioteca virtual Miguel de Cervantes. [en línea]  [fecha de consulta: 6 enero 2018]. Disponible en: http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/la-guerra-civil-en-la-narrativa-de-miguel-delibes-de-la-sombra-del-cipres-es-alargada-1947-a-377a-madera-de-heroe1987/html/97eae638-a102-11e1-b1fb-00163ebf5e63_6.html#I_0_
FRANCISCO, U. El País. 32 / Los tremendistas. . [en línea] [fecha de consulta: 6 enero 2018]. Disponible en: https://elpais.com/diario/1985/12/16/opinion/503535612_850215.html

 

Manolo y Teresa, ¿los Romeo y Julieta españoles?

Por Laura M.

Pocas veces se ha escrito en nuestros días una historia de amor tan hermosa como la del escritor español Juan Marsé “Últimas tardes con Teresa”.

Todos conocemos la historia de amor por excelencia escrita por William Shakespeare, “Romeo y Julieta”. Sin embargo, la obra del barcelonés Juan Marsé, publicada en 1966 por la editorial Seix Barral, pasa desapercibida ante nuestros ojos. Afortunadamente aún no ha caído en el olvido y yo he tenido la oportunidad, gracias a mi  madre (que se la había leído y me la recomendó), de leerla y ver su adaptación al cine.

ultimas tardes con Teresa.pngEn el mundo que nos toca vivir, marcado por una increíble, a la vez que devastadora, globalización somos incapaces de valorar la gran riqueza (en todos los ámbitos) que nuestro país ofrece. Este hecho llega a límites insospechados; cualquier niño con un mínimo conocimiento del mundo, es capaz de contarnos el argumento de la obra del magnífico Shakespeare y, sin embargo,  incapaz de descifrar el tema de la novela de Juan Marsé.

En la obra, Manolo, un típico exponente de las clases marginadas que se gana la vida robando motos, conoce a Teresa una estudiante burguesa de la clase acomodada barcelonesa. El trágico accidente de una amiga común a ambos, Maruja, les une, enamorándose perdidamente el uno del otro. Sin embargo, las grandes diferencias en el estrato social impiden su relación.

Es una obra que ha marcado un antes y un después en la literatura española, dejando huella en el camino de otros como Montalbán y Zafón; además está considerada por muchos críticos como la novela más representativa de la segunda mitad del siglo XX, por lo que el desconocimiento de la misma se presta desafortunado.

Por otro lado, la película, a pesar de intentar ser lo más fiel posible al libro, y tratando los mismos temas, tanto el amoroso como la crítica social, no consigue trasportar el espectador a la Barcelona del siglo XX. Como es lógico, cuenta con la dificultad de adaptar la historia en un periodo de tiempo reducido, pero sin duda, esto supone que la trama pierda credibilidad, acortando escenas y diálogos importantes en el libro.

Volviendo a Shakespeare, no cabe duda de que el trágico final de su obra la convierte en única; pero, ¿qué hay más trágico que la aceptación entre dos amantes de la imposibilidad de su amor, sin ser la muerte quien les separa, sino simple y desgraciadamente la sociedad que les despoja de sus ilusiones, devolviéndoles a una trágica realidad donde burgueses y marginados no pertenecen al mismo mundo?

Ahora bien, el novelista catalán era incapaz de conformarse escribiendo una historia de amor, sin introducir una verdadera crítica social aplicable incluso a nuestros días. Marsé nos muestra el contraste entre aquellos acomodados, que, de manera hipócrita, se consideran rebeldes en ideología; y los que necesitan ganarse la vida como pueden sin preocuparse por esa fantasía ideológica, mostrando el autor un mayor afecto hacia ellos.

 

 

BIBLIOGRAFÍA:

La voz dormida, Dulce Chacón

Valoración crítica (2º BTO)
Cristina B.

lavozdormidadulcechacon1.jpgEl objeto de la siguiente valoración es La voz dormida de Dulce Chacón. Novela histórica estructurada en tres partes y que se desarrolla entre los años 1939 y 1963 (postguerra civil española). Fue publicada en 2002 por la editorial Alfaguara, en Madrid. El fin primordial de estas novelas históricas es ofrecer una visión verosímil de una época histórica, preferiblemente lejana,  donde aparezcan reflejados los valores y creencias del momento.

Un grupo de mujeres, encarceladas en la madrileña cárcel de mujeres de las Ventas, utilizan la dignidad y el coraje como única arma posible para enfrentarse a la humillación, la tortura y la muerte. Se nos cuenta la historia de cómo unas mujeres viven el encarcelamiento, y cómo han llegado a parar a esa prisión. La primera parte consta de treinta y cinco capítulos. En esta parte el tiempo transcurrido es muy breve y la autora se recrea en los personajes, a los cuales vamos conociendo y sabiendo en qué situación se encuentra cada uno y por qué. Aquí también conocemos muchos de los espacios en los que transcurren los hechos. Como la cárcel madrileña de Ventas o la calle Atocha. La segunda parte, que es la más breve, está dividida en dieciocho capítulos. Es en esta parte donde Hortensia conoce su sentencia y sabe que va a vivir hasta que nazca su hija. Al final de esta parte, se produce el fusilamiento de Hortensia. La tercera parte tiene treinta y dos capítulos y es la parte en la que el tiempo pasa más deprisa, ya que abarca dieciocho años, mientras que en las otras sólo transcurren unos pocos meses. A medida que esta parte avanza vamos conociendo poco a poco el desenlace que tiene cada personaje y finaliza con la marcha a Córdoba de Jaime y Pepita.

En cuanto al estilo, tiene forma lineal, aunque utiliza la técnica del flashback continuamente debido a que los personajes hacen continuas alusiones al pasado mostrándonos de esta manera las razones por las cuales se encuentran ahora en esta situación. El narrador de la novela es un narrador omnisciente, ya que conoce lo que les va a suceder a los personajes y muchas veces la historia nos es contada utilizando el futuro. Desde la primera línea del libro sabemos que Hortensia morirá, igual que sabemos que Elvira no va a morir.

En conclusión, esta obra sigue siendo relevante si la relacionamos, principalmente, con la lucha que siguen teniendo las mujeres hoy en día. Es cierto que la situación ha mejorado muchísimo, y que muchas de Los derechos que las protagonistas de la obra reivindicaban, se han logrado. Pero aún quedan cosas por hacer. Por eso esta novela sirve para animar a seguir luchando por aquello en lo que realmente se cree.

Opinión

La voz dormida es una novela en la que abundan las descripciones. Estas destacan en la forma de detallar de forma tan concisa, a la vez que sutil, los sentimientos de las protagonistas. La obra está ambientada en la época de la postguerra española. Comienza justo cuando ha terminado la guerra (1939) y termina en el año 1963. A menudo los personajes aluden al pasado para explicar lo que ha ocurrido. Por ejemplo, centrándose en las reclusas, hacen referencia a su vida anterior a la cárcel. El espacio principal de la obra es la cárcel de las Ventas de Madrid, lugar del que parte toda la historia.

En La voz dormida, se pueden observar dos estructuras claramente diferenciadas:

Estructura interna: la obra se encuentra dividida en tres espacios o tiempos. Lo ocurrido dentro de la prisión; lo acontecido en la ciudad de Madrid, y lo que le ocurre al grupo guerrillero en el monte durante sus viajes.

Estructura externa: la novela está compuesta en tres partes. Cada una de ellas, se divide en distintos capítulos que van narrando la historia. La primera parte se centra en la presentación de los personajes. La segunda parte explica los sucesos que ocurren dentro de la cárcel y la repercusión de estos hechos fuera de ella. Mientras que la tercera parte, sucede mayormente fuera de la cárcel, y se centra en las operaciones de la guerrilla.

Tras analizar las partes en las que se divide esta novela, se podría concluir con que el tema principal de la obra es: La vida y la lucha de unas mujeres que se ven encarceladas, a causa de pertenecer al partido comunista.

La voz dormida es un libro interesante que trata bien el tema de la guerra civil desde la perspectiva de la mujer. Por esta razón, es una novela dura, uno se puede imaginar a su madre o a sus abuelas en la misma situación. Es un libro que va enganchando e involucrando la vida de estas mujeres en el lector, hasta el punto de que este espera que al final todo se arregle de alguna forma. 

Es una novela que enseña los valores de humildad, el valor, la fortaleza y la dignidad: uno debe ser fiel a sus ideas, además de valorar el país democrático donde vive, y en donde las mujeres pueden participar de los aspectos de la vida con total libertad.  

A pesar de esta integración actual de la mujer, sigue habiendo algunos aspectos en los que las mujeres siguen reivindicando sus derechos. Por tanto, esta dignidad, valor y fortaleza siguen estando presente en nuestros días. 

Las maneras de buscar el lugar de la mujer en la sociedad actual han ido cambiando a lo largo de la historia. Hoy en día, se está muy lejos de aquellas feministas de los 70 que lucharon por la igualdad de género, reclamando la posibilidad de acceder a lugares que no nos estaban permitidos. El feminismo se renovó y sigue en pie, porque aunque ya no se prohíban ciertas cosas, aun vivimos en un mundo con desigualdades entre mujeres y varones.

Las nuevas generaciones de feministas están muy lejos de aquellas sufragistas de principios del siglo XX. Muy lejos también están de los estereotipos: no queman corpiños ni andan desnudándose por ahí cuando no están de acuerdo con algo (a pesar de que ciertas feministas extremistas lo hagan para llamar la atención de los medios) quieren y respetan a los varones y les preocupan las mismas cosas que a la mayoría de las mujeres.

Hoy puede resultar más extraño. Pero al pensar en las desigualdades que persisten en la sociedad, podemos observar algunos como que las mujeres suelen tener empleos informales y peor pagos…. No es difícil ver que a pesar de los logros, la diferencia sexual siempre se ha acabado considerando como una desigualdad social. 

Aunque las historias de estas mujeres son todas duras, conmueve entre todas ellas la de Hortensia, una mujer que pese a estar embarazada la encarcelan. La autora utiliza un lenguaje sencillo, próximo a los lectores, sabe conmover con sus palabras sencillas.

Algo que es bueno destacar es que no faltan las historias de amor en el libro. Son amores a distancia, separados a la fuerza, amores que no se sabe si algún día van a continuar. Lo demás es dolor, como en todas las guerras.

Este libro es recomendable, ya que son historias de mujeres contadas desde el lado de los perdedores de la contienda. Historias que podrían ser las de cualquier mujer que haya vivido la guerra. Dulce Chacón nos acerca a ellas con su forma de narrarlas.

 

Territorio comanche (Pérez Reverte)


Territorio comanche,

Arturo Pérez-Reverte

Valoración crítica
Álvaro P. (2º BTO) 

territorio comancheEl objeto de esta valoración es Territorio Comanche, novela escrita por Arturo Pérez-Reverte. Publicada en 1994, está ambientada en la guerra de la antigua Yugoslavia. 

Se narra el intento de dos periodistas (Barles y Márquez) que tratan de obtener la imagen de un puente explosionando, además de diferentes anécdotas de otras guerras vividas por ellos, siempre con un telón de fondo pesimista. Por ejemplo, cuando Barles piensa en todo lo que le puede salir mal antes de cruzar el puente para recoger su mochila, y convertirse así en un blanco fácil. Esta presión se ve aliviada por las pinceladas de humor que apreciamos en las historias de Barles y Márquez, así como en algunos apodos graciosos que le atribuyen a ciertos soldados. Otro tema que se pone de manifiesto es la importancia de ser constante o perseverante en lo que uno hace. La pasión de estos corresponsales de guerra por su profesión queda patente. Así, durante toda la trama, los protagonistas se jugarán la vida para conseguir la toma de un puente explotando.  

En cuanto al estilo de Arturo Pérez-Reverte, es claro y conciso. Al narrar una historia basada en hechos reales, recurre por obligación a una objetividad, aunque teñida por el tono subjetivo que aportan los diálogos y conversaciones coloquiales de los personajes.

En conclusión, el autor quiso, básicamente, poner al lector en la piel de los reporteros enviados a las guerras. También, nos invita a reflexionar sobre lo cómodo que es para nosotros ver sentados en el sofá imágenes de cómo se “resuelven” las guerras, mientras los reporteros se exponen constantemente a la muerte para captar dichas imágenes.

Opinión

army-60701_960_720.jpgPrácticamente todos los días vemos imágenes, o pequeños cortometrajes de las guerras que se desarrollan en la actualidad. Apuesto a que nadie se para a pensar lo cerca de la muerte que está un reportero o un cámara al ver una explosión o un tiroteo a través de nuestro televisor. Tampoco lo difícil que es conseguir un pequeño vídeo de apenas 30 segundos donde casi tienen que estar un día entero bajo escombros, como nos cuenta Pérez-Reverte en su novela. Es una ironía, pero al estar acostumbrados a este tipo de imágenes llegamos a pensar que este trabajo es fácil. Incluso en ocasiones pensamos que insuficiente cuando queremos mas imágenes e información sobre el conflicto. Para el tiempo en que este autor escribió el relato, los corresponsales de guerra no estaban bien pagados. De ahí que Arturo Pérez-Reverte escribiera el libro como signo de admiración y de homenaje a sus antiguos compañeros de TVE. Los corresponsales de guerra son personas que tienen un amor y una pasión especial por lo que hacen. Plantarse frente a la muerte para conseguir un par de imágenes es digno de admiración.

Estos profesionales luchan por conseguir imágenes que hagan reflexionar a la población. A través de las mismas, las injusticias en el mundo, o las injusticias de las guerras no queden abandonadas. Son verdaderos héroes que aunque temen morir, como todo el mundo, no dan un paso atrás.

“Para un reportero, en una guerra, territorio comanche es el lugar donde el instinto dice que pares el coche y des media vuelta”.

Arturo Pérez-Reverte

Sin noticias de Gurb (valoración crítica)

Sin noticias de Gurb

Valoración crítica
Lucía M. (2º BTO)

sin noticias de gurbEl objeto de esta valoración es Sin noticias de Gurb, (1991) novela de Eduardo Mendoza. La misma cuenta en forma de diario cómo un extraterrestre busca en la tierra a su compañero Gurb, tras desaparecer en Barcelona disfrazado de la célebre Marta Sánchez.

Eduardo Mendoza aborda las costumbres de la sociedad a través de una crítica humorística por medio del personaje principal. Por ejemplo, como cuando el protagonista sigue la costumbre española de tomar churros o cerveza. En su caso, abusa de su consumo ya que los toma no solo cuando quiere sino también en cantidades excesivas. Por otra parte, destaca la falta de inferencia en la personalidad y sentimientos de los protagonistas secundarios. El autor solo se centra en ellos para narrar las vivencias y los sucesos del protagonista. El título de la obra es una perfecta síntesis del argumento de la misma, pues llegamos al final de la misma casi sin saber nada de Gurb. Eduardo Mendoza critica las costumbres de la sociedad española, pero siempre con humor. Sus personajes, exceptuando los extraterrestres, son sencillos y cotidianos.

En conclusión, esta mezcla de originalidad, humor y cotidianidad fomentaron el éxito de esta breve e inteligente novela. La obra plantea la realidad sobre las costumbres de consumo de aquel momento. En nuestros días, quizá los “extraterrestres” protagonistas serían las personas que no se dejan llevar por ese consumo desmesurado.

(Si te ha gustado la entrada, puedes descargarla aquí: Sin noticias de Gurb)

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